„100 Acre Holzhäcksler“

May 15, 2023

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Forrest Gump istAndrew Scott Bell ist gewissermaßen die Entstehungsgeschichte. Als seine Eltern den Doppel-Soundtrack mit Ausschnitten von Bob Dylan und Creedence Clearwater Revival kauften, gefiel ihm am meisten der letzte Titel, „Forrest Gump Suite“ des Komponisten Alan Silvestri, der auch für „What Lies Beneath, Castaway“ bekannt ist , und Avengers: Infinity War, neben unzähligen anderen Werken.

„Ich erinnere mich, wie ich den Track gehört habe und in meinem Gehirn Blitze zuckten“, erzählt er Bloody Disgusting. Also hörte er es sich immer wieder an, bis er lernte, es auf dem Klavier zu spielen. „Ich werde nie vergessen, wie man es spielt“, fügt er hinzu.

Bell stammt aus dem Norden des Bundesstaates New York und wuchs in einem sehr religiösen Elternhaus auf. Als „seltsamer, queerer Junge“ nahm er Tanz-, Ballett- und Klavierunterricht. „Als ich noch sehr jung war, habe ich mich für Kunst und Zeichnen interessiert, und ich war wirklich begeistert davon. In einem Kunstkurs kann man einfach selbst malen. Man muss nicht wie alle anderen malen. Man kann sich einfach ausdrücken.“ selbst." Jim Davis‘ legendärer Garfield-Comic inspirierte ihn dazu, eines Tages einen eigenen Comic in der Sonntagszeitung zu veröffentlichen. „Das war mein Traum“, sagt er lachend.

Eine weitere wichtige Figur in seiner frühen künstlerischen Entwicklung war James Horner (Casper, Aliens, Deep Impact). „Wenn ich auf die Filme zurückblicke, die ich als Kind geliebt habe, wurde mir erst als Erwachsener klar, dass viele davon – wie ‚In einem Land vor unserer Zeit‘, ‚An American Tail‘ und ‚Casper‘ – aus der Feder stammen.“ ihn“, sagt Bell.

Während er seinen eigenen Stil entwickelte, wurde Bernard Herrmann (Psycho, Citizen Kane) ein integraler Bestandteil seiner Arbeit. „Ich liebe die Art und Weise, wie seine Partituren gewagt sind und einen direkt ins Gesicht treffen. Jemand hat meine Musik einmal als eine Kombination aus Bernard Herrmann und Hans Zimmer beschrieben. Das hat mich wirklich angesprochen. Ich habe mich irgendwie zu 一 hingezogen, würde ich nicht.“ sagen wir eher klassisch, aber mehr Old-School-Horror-Harmonien.“ Denken Sie an Frankenstein und King Kong und ihre „großen, bombastischen alten Tricks“.

Durch Klavierunterricht begann Bell, eigene Musikstücke zu schreiben. „Ich saß am Klavier und dachte mir einen Film aus“, sagt er. „Ich wusste nicht, dass ich das mache, aber ich hatte ein Lied über einen Roboter und ein Kind. Es wurde wahrscheinlich unbewusst von ‚The Iron Giant‘ inspiriert. Ich wollte schon immer Teil des Geschichtenerzählens sein, und Musik ist sozusagen die Art und Weise, wie ich zum Filmemachen und Geschichtenerzählen komme.“ An einem Punkt seiner Reise wollte er Regisseur werden. „Ich bin mit meinen Freunden mit einer Videokamera herumgelaufen“, erinnert er sich und fügt hinzu, dass das Erzählen von Geschichten „eines der besten Dinge ist, die Menschen tun.“

Sein Leben führte ihn schließlich an die Christopher Newport University in Newport News, Virginia, wo er klassische Orchestrierung, Musiktheorie und Komposition studierte. Im Jahr 2009 begann er mit der Vertonung von Filmen, doch erst 2012 kam es richtig in Gang. Mitte der 2010er Jahre gab es eine Reihe von Projekten, darunter Filme wie „The Last Punch“ und „Rocket“, einen Kurzfilm, der ihm einen Preis der Studentenakademie einbrachte. Im Jahr 2015 wagte er schließlich den Umzug nach Los Angeles.

In den kommenden Jahren erhielt er Rollen in „Deathcember“, „Home Sweet Home“ auf NBC und „Psycho Storm Chase“ auf Lifetime. Den Auftritt bekommen fürWinnie the Pooh: Blut und Honig entstand aus einer Reihe zufälliger Ereignisse. Schon Monate zuvor hatte er Gerüchte über den Film gehört, aber erst als Standbilder veröffentlicht wurden und „massiv viral gingen“, erregte er seine Aufmerksamkeit.

Er wandte sich an den RegisseurRhys Frake-Waterfield über Instagram, indem Sie auf eine Geschichte antworten, in der es darum geht, jemandem die Kindheit zu ruinieren. „Kann ich Ihnen helfen, die Kindheit anderer Menschen zu ruinieren?“ Er postete mit einem Geigen-Emoji. Später wurde ihm klar, dass er den Kameramann Vince Knight zuvor auf dem Festivalgelände während des Rocket-Laufs getroffen hatte. Knight empfahl Bell sofort für den Job, und von da an ging es los mit den Rennen.

Zu seinen größten Erkenntnissen aus dem Projekt teilt er mit: „Wir haben diesen Film für Reste gemacht. Jeder hat seine Leidenschaft und seinen Spaß hineingesteckt. Das konnte ich erkennen, als wir uns den Rohschnitt ansahen und die Leute zwischen den Takes lachten. Ich wollte mitmachen.“ Es geht mir um den Spaß. Musikalisch bin ich einfach reingefallen und hatte eine Menge Spaß.“ Unten geht Bell näher auf seine Arbeit ein und wie er an ausgewählte Titel herangegangen ist.

Bloody Disgusting: Zu welchen anderen Filmmusiken haben Sie sich hingezogen?

Andrew Scott Bell: Nun, ich liebte John Williams. Ich erinnere mich, dass ich wusste, wer er war, aber vielleicht nicht in dem Maße, wie ich es jetzt weiß. Ich kannte die großen Filme wie „Star Wars“, „Indiana Jones“ und „ET“, einer meiner Favoriten. Ich erinnere mich noch genau daran: „Ich muss in der ersten oder zweiten Klasse gewesen sein und wir haben einen harten Test gemacht.“ Ich habe den Test beendet, bin zu meinem Lehrer gegangen und habe in meinem Kopf „Dun, dun, dun, dun, dun, dun“ summt. Ich muss es laut gesummt haben, denn der Lehrer sagte zu mir: „Oh, du magst Star Wars.“ „Star Wars gefällt mir auch.“ Ich war überwältigt, dass sie „Star Wars“ kannte. Als Kind ist einem nicht bewusst, dass die Dinge, die man sich zu Hause auf der VHS-Kassette ansieht, auch von allen anderen angesehen werden.

BD: Zu welchem ​​Instrument greifen Sie beim Tüfteln an Ideen häufiger als zu anderen?

Glocke: Am liebsten spiele ich Klavier. Wie wir bereits besprochen haben, fand mein Einstieg in die Musik am Klavier statt. Jedes Gehirn ist so anders und ich mag das Klavier, weil es optisch übersichtlich ist. Jede Note hat ihre eigene Tonart, die Sie sehen und Akkorde bilden können. Anders als bei einer Gitarre, wo es einen Bund pro Note gibt, aber dann gibt es die nächste Saite und die nächste Saite zur nächsten Saite. Es gibt also sechs Saiten. Beim Klavier sitze ich zuerst dort. Ich überlege mir thematische Ideen und Melodien. Wenn ich anfange, es zu orchestrieren, fange ich an, Dinge auf verschiedenen Instrumenten zu spielen und habe dabei Spaß. Manche Ideen kommen vom Instrument selbst. Bei Winnie the Pooh zum Beispiel, als man ihn endlich in seiner erwachsenen Form sieht, habe ich aufgenommen, wie ich 24 Mal Cello gespielt habe, was dreimal so groß ist wie eine normale Cellogruppe. Diese Idee kam vom Instrument. Es war nicht so, dass ich hier am Klavier saß und dachte: ‚Oh, das werde ich für ‚Pooh‘ machen.“

BD: Wie stellen Sie sicher, dass die Partitur einen Bogen hat?

Glocke: Das kommt in Themen. Ich habe ein Buch mit dem Titel „On Repeat: How Music Plays the Mind“ gelesen. Es geht im Wesentlichen um Wiederholungen in der Musik und darum, wie sie unser Gehirn dazu bringen, Dopamin zu pumpen. Die einfachste Version davon ist wie beim Popsong, bei dem man beim Anhören denkt: „Das klingt cool.“ Wenn man den Refrain zum ersten Mal hört, denkt man: „Das gefällt mir.“ „So etwas habe ich noch nie gehört.“ Und dann geht es zurück zur Strophe, und während der zweiten Strophe denkt man sich die ganze Zeit: „Bring mich zurück zu diesem Refrain.“ Und Sie warten nur darauf, dass es zurückkommt. Wenn es soweit ist, sagt unser Gehirn unbewusst: „Du hast gedacht, dass der Teil passieren würde, den du schon einmal gehört hast, und du hast Recht.“ Also hier ist ein bisschen Dopamin, um Recht zu haben.“ Es passiert auch jedes Mal, wenn Sie das Lied für den Rest Ihres Lebens hören.

Ich persönlich verfolge das in einer Filmmusik immer über einen längeren Zeitraum hinweg. Möglicherweise hören Sie ein Thema ein wenig eingestreut, vielleicht ist es nur eine reine Aussage des Themas. Vielleicht ganz am Anfang des Films. Das Thema von Christopher Robin ist in vollem Umfang vorhanden, und wenn man es später in den Szenen verstreut hört, entsteht unbewusst das Gefühl eines Bogens. Es ist auch sehr, sehr lohnend.

BD: Was an der Partitur am meisten auffällt, ist ihr Sinn für Launen. Wie haben Sie die Grenze zwischen Laune und Dunkelheit gemeistert?

Glocke: Ich wollte nie, dass die Musik das Gefühl vermittelt: „Oh, hier ist dieser skurrile Moment, und dann ist hier diese dunkle Seite.“ Ich wollte, dass sie sich wie ein zusammenhängender Klang anfühlen. Das Hauptthema gleich zu Beginn des Films während des Prologs wechselt wirklich die Tonart, fast alle zwei Takte, und es springt ständig hin und her. Es fühlt sich nicht so an, als würde es landen. Es ist, als würde man Sand unter den Füßen treiben. Das ist so, als würde man einen auf eine Reise mitnehmen. Das Intro hat diese beiden Klänge und es fühlt sich an, als würde es diese beiden Klänge miteinander verbinden. Für den Rest des Films mische ich sie dann einfach zusammen. Es gibt einen Titel namens „Together Forever“. Es fühlt sich nicht unbedingt düsterer an als der Eröffnungsprolog, aber es ist das gleiche Thema. Es ist ein tiefer Bass und ein tiefes Cello. Ich persönlich weiß nie, ob es sich wie zwei unterschiedliche Partituren in einem anfühlt, aber ich glaube, ich habe es geschafft. Man tappt im Dunkeln und hofft, dass die Absicht rüberkommt, sie im ersten Prolog einzeln zu zeigen und sie dann im Laufe des Films zu einem zusammenhängenden Klang zusammenzuführen.

BD: Der Titel mit dem Titel „100 Acre Wood Chipper“ ist ein unverzichtbares Musikstück. Wie kam es für Sie zustande?

Glocke: Das macht Spaß. Das war eines der ersten, das ich gemacht habe. Mal sehen: Ich glaube, das war die zweite Szene, die ich vertont habe. Dies war das erste, das ich gemacht habe, nachdem ich ein paar Tontöpfe gekauft hatte. So etwas kann man hier hören. [spielt einen Teil des Titels] Ich bin es mit ein paar Mikrofonen und einem Schlagzeug-Set voller Potis. Es gibt tiefe Percussion, und ich spiele damit übertrieben. Das war eine seltsame, alberne Idee. Es ist ein bisschen kitschig, aber wir mussten Poohs Honigtöpfe nachahmen. Hier zum Beispiel [spielt einen anderen Ausschnitt ab] können Sie hören, wie ich mit einem Hammer zwischen zwei Tontöpfen hin und her schwinge.

Dann ertönt ein Geräusch, das ich Bärenkopf nenne. Es war ein maßgeschneidertes Instrument, das von einem experimentellen Gitarrenbauer namens Tyler Thackray für mich angefertigt wurde. Es ist das einzige auf der Welt, das so aussieht. [hebt es ins Blickfeld] Es ist ein Bass-Ukulele-Hals mit Bass-Ukulele-Saiten, obwohl mir während der Aufnahme zwei der drei Saiten gerissen sind. Außerdem verfügt sie über einen Kindergeigenhals mit sogenannten Resonanzsaiten, die beim Spielen und Streichen der Saite mitschwingen. Es handelt sich um einen Zigarrenschachtelkörper mit einem Farbdosendeckel-Resonator. Im Inneren der Zigarrenschachtel befinden sich Reihen von Federn, sodass beim Einstecken des Signals für die Buchse das elektronische Signal durch die Federn geleitet wird. Es wird Federhall genannt und sendet das Signal durch die Federn und erzeugt ein Echo.

BD: „100 Acre Hoodlums“ ist ein weiterer Titel, der sofort ins Auge sticht.

Glocke: Es gibt auch Tontöpfe. Dann gibt es hier Cello. [spielt Clip ab] Vielleicht zwei davon. Ich spiele nur mit einem Mikrofon ganz in der Nähe, so dass man das Hauchen des Rosshaars auf dem Bogen hören kann. Es ist anders, als man normalerweise ein Cello hört. Ich bin wirklich besessen von dem, was in der Musik „Drei gegen Zwei“ heißt [bekannt als Polyrhythmus]. Die Idee für den Synthesizer-Hintergrund kam uns, als wir auf einem Kreuzfahrtschiff waren, um den Ruhestand meines Vaters zu feiern. Ich bin mitten in der Nacht aufgewacht, habe eine Sprachnotiz aufgenommen und bin dann wieder ins Bett gegangen. Ich habe etwas getrunken oder so. Als ich es mir am nächsten Morgen anhörte, hieß es nur: „Schlagzeug unter Wasser.“ Wovon rede ich? Aber da ist das. [spielt einen Ausschnitt ab] Ich habe das Schlagzeug nicht wirklich unter Wasser aufgenommen, aber ich habe versucht, diesen Sound hinzubekommen.

BD: Gegen Ende des Soundtracks gibt es „Pooh Gives Maria a Head Start“, möglicherweise das Beste von allen. Wie ist dieser Prozess entstanden?

Glocke: Sie können mich ein wenig im Chor singen hören. Wir hatten nicht wirklich das Budget für ein riesiges Orchester. Ich möchte nie, dass das Budget die Musik beeinträchtigt. Sie stellen mich für einen Job ein, also lassen Sie uns herausfinden, wie Sie mit Ihrem Budget einen großartigen Sound herausholen können. Ich spiele selbst viele Instrumente. Ich spiele und kombiniere Geigen, Cello, Trompete und ein paar Klarinettensoli. Ich habe hier auch dieses Instrument namens Beehive-o-lin, und das ist das einzige, das es auf der Welt gibt.

Als ich mich zum ersten Mal für diesen Film anmeldete, erinnerte ich mich an einen Artikel, den ich im New Yorker über Tyler Thackray gelesen hatte. Ein Satz lautete: „Ich habe zum Beispiel eine Geige in einen Bienenstock gestellt, um zu sehen, was passieren würde.“ Ich habe ihn kontaktiert und danach gefragt. Er sagt: „Oh, das habe ich vergessen.“ Ich bat ihn, es für einen Soundtrack zu verwenden. Er sagte: „Klar, komm rauf!“ Wir sind nach San Francisco gefahren und haben es geschafft. Es war mit Honig und Waben bedeckt. Es klingt wirklich seltsam. Ich habe damit gespielt und es geschichtet. Ich habe herausgefunden, dass es irgendwie wie summende Bienen klingt. Dabei handelt es sich um fünf übereinander geschichtete Aufführungen. [spielt den Titel ab]

Während des gesamten Soundtracks gibt es einen großen, bedrohlichen Männerchor. Ich habe sie alle selbst aufgenommen, vielleicht 18 oder 20 Mal. Das, was ich an Rhys liebe, ist, dass er nie Nein gesagt hat. Er sagte immer: „Das will ich hören.“ Es ist die angenehmste Umgebung, in der man arbeiten kann – der Regisseur freut sich über einen. Ich schrieb ihm: „Was wäre, wenn wir einen Chor hätten, der ‚Blut und Honig‘ auf Latein singt, was ‚sanguis et mel‘ heißt?“ Und er antwortete: „Klingt teuer.“ Und ich sage: „Ich habe alles im Griff.“ Da ich bin. Man macht einfach eine Menge verschiedener Stimmen. Sobald es mit den anderen Instrumenten kombiniert wird, hat es diese Präsenz.

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Als nächstes kommt der Moderator und Dashcam-DirektorRob SavageIstDer schwarze Mann, bezogen aufStephen KingsKurzgeschichte von 1973, die nun dieses Wochenende in den Kinos läuft.

Savage sprach mit Bloody Disgusting darüber, im Anschluss an zwei kleinere Found-Footage-Horrorfilme einen Studiofilm zu drehen, und besprach gleichzeitig seine Lehren aus diesen Erfahrungen sowie seinen Ansatz zur Entwicklung einer PG-13-Grenztest-Kreatur.

„Ich hatte nie gedacht, dass ich jemand sein würde, der bei Found-Footage-Filmen Regie führen würde, und am Ende habe ich zwei aufeinanderfolgende Filme gemacht“, sagt Savage über den Wechsel von Dashcam zu The Boogeyman. " Aber es brauchte einen kleinen Ruck, um wieder zu dieser Art des Geschichtenerzählens zurückzukehren. Ich war erstaunt, wie viel ich aus der Arbeit an Host und Dashcam mitnehmen und in diesen Film einarbeiten konnte. Beide Filme waren völlig improvisiert.

Savage fährt fort: „Ich ging davon aus, dass dieser Film viel starrer sein würde, weil es sich um einen Studiofilm handelt und er ein ganz anderes Biest ist. Tatsächlich gab es viel Raum für Improvisation und das Herumspielen mit den Szenen mit der Besetzung. So viele der Besten.“ „Die lustigsten und berührendsten Momente in diesem Film haben wir uns an diesem Tag ausgedacht oder die Besetzung hat sie aus persönlichen Erfahrungen mitgebracht. Es gab immer noch viel Raum und viel gemeinsame DNA, mehr als ich gedacht hätte.“

Regisseur Rob Savage am Set von „BOOGEYMAN“ der 20th Century Studios. Foto Patti Perret. © 2023 20th Century Studios. Alles reserviert.

Wenn es einen gemeinsamen Nenner bei allen drei bisher von Rob Savage inszenierten Spielfilmen gibt, dann ist es das unerschütterliche Engagement des Filmemachers für die Herstellung von Gruselfilmen. Die Antwort von Savage war komplexer, als er gefragt wurde, ob diese gemeinsame DNA bei der Entstehung von „The Boogeyman“ geholfen habe.

„Die Teile, die ich wirklich bei der Arbeit lernen musste, waren eher gegen Ende des Films, die Action-Horror-Beats“, erklärt er. „Ich habe noch nie etwas mit der Dashcam gemacht, ich denke, ein bisschen, aber es ist wie Found Footage, also ein ganz anderes Biest. Aber dieser eher physische Aspekt der Kreatur, besonders wenn es komplett computergeneriert ist.“ Schöpfung wie unser Monster. Ringen mit diesem Ding.Wir hatten einen 3D-gedruckten Kreaturenkopf, den ich auf einem Stock hatte, wie ein Pantomimepferd, und ich rannte schreiend auf die Schauspieler zu.

„Ich habe aus allen Blickwinkeln gefilmt und das Ganze mit einem Storyboard versehen, aber es ist sehr schwer zu wissen, ob das zusammenpasst, bis man es mit der Kreatur sieht. Aber das Zeug, das nützlich war, waren die ersten zwei Drittel von.“ dieser Film; Für mich war es eher ein Spukhausfilm. Ich wollte nicht viel von dieser Kreatur sehen. Ich wollte, dass Sie sich jedes Mal sehr unsicher fühlen, wenn Dunkelheit im Rahmen oder in einer Türöffnung herrscht, und vieles davon spielte sich in die gleiche Richtung wie Host.Ich hatte also das Gefühl, dort meine Hausaufgaben gemacht zu haben.“

Da das Konzept des Boogeyman so alltäglich und unklar definiert ist, stellte es für Savage eine Herausforderung dar, das ursprüngliche Kreaturendesign des Films zu entwickeln.

Er führt aus: „Ich wollte niemandem seine Vorstellung davon entkräften, was die Kreatur ist, denn jeder hat seine eigene Vorstellung. Der Boogeyman ist eigentlich nur dieser Name, den wir all dem geben, was wir uns als Kind in der Dunkelheit vorstellen.“Ich wollte also, dass die Leute gehen und trotzdem das Gefühl haben, sie könnten ihre eigenen Ängste auf diese Kreatur projizieren . Wir wollten etwas, das sehr einfach und auffällig ist. Ich wollte auch, dass man die Kreatur am Ende sieht, natürlich, weil die Familie sich dieser Sache stellen muss, aber ich wollte, dass es einen Aspekt gibt, den man nicht ganz versteht oder der auf diese tiefere Mythologie hinweist .

„Am Ende haben wir diesen seltsamen Körper-Horror im Lovecraft-Stil vorangetrieben, von dem ich immer noch wundere, dass wir in einem PG-13-Film durchgekommen sind. Aber das war unser Versuch. Es war unser Versuch, die Geschichte zu würdigen, die mit etwas Haut endet.“ schälende Grizzlybären; und ein Hinweis auf diesen kosmischen Horror, der über das hinausgeht, was wir auf der Leinwand sehen."

Erleben Sie Savages kosmischen Horror in „The Boogeyman“, der jetzt im Kino läuft.